MARCELLO MAGLIOCCHI

Music For Sounding Sculptures In Twenty-three Movements

[...] Lavoro decisamente piu’ complesso (anche nella durata) quello del percussionista Marcello Magliocchi, gia’ insieme a Morgia nel valido “Sound Gates” di qualche mese fa. Il suo concerto per metalli percossi si addentra in miriadi di linguaggi percussivi e timbrici, dall’etnico all’avantgarde fino a ruvidezze pseudo-ambientali, tutto con classe inappuntabile e nessun disdegno per la ruggine e i rumori meno ortodossi. Chiaramente il disco deve molto all’opera di Harry Bertoia, con un taglio esoterico ed esplorativo che lo rende appetibilissimo anche ai fan di Harry Partch e Z’ev. (7/8)   Federico Savini, Blow Up, Dicembre 2011

L’altra tape è appannaggio di Marcello Magliocchi, percussionista e sound-artist già protagonista del catalogo Ultramarine con un lavoro a 4 mani con Ninni Morgia. Music For Sounding Sculptures In Twenty-Three Movements è esattamente ciò che il titolo prefigura: 23 bozzetti registrati in una torre presso Villa Castello Smilea a Montale (PT) in cui il musicista barese “suona” le sculture sonore create da Andrea Dami. Agglomerati materici/metallici (acciaio, ferro, alluminio più corde, sassi, ecc.) dalle forme sinuose e dalle modulazioni eterogenee che sotto le sapienti mani di Magliocchi assumono le forme del gamelan, del flusso impro-rumorista, della poliritmia afro-industriale, dell’ambient e droning. Mostrando come una sensibilità comune possa trovare forme espressive diverse, ma convergenti. Stefano Pifferi, Sentireascoltare

Ultramarine ancora attivissima con questa interessante cassettina di Marcello Magliocchi, compositore, batterista e percussionista barese attivo sin dagli anni Settanta nel giro jazz e impro. Basti pensare che nel corso della sua carriera ha suonato e collaborato con artisti del calibro di Lenoci, Ottaviano, Mal Waldron e Steve Lacy. Registrato nell’ottobre del 2010, “Music for Sounding Sculptures” contiene ben 23 movimenti di musica oscura e stratificata. Vengono in mente la AMM e i gamelan indonesiani, l’africa, la sound art e l’improvvisazione più intensamente poliritmica. Ne viene fuori un suono indefinibile, profondo e caldo, capace di dischiudere ad ogni nota un mondodi sensazioni contrastanti. Antonio Ciarletta, Ondarock

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Ninni Morgia & Marcello Magliocchi “Sound Gates” LP

Marcello Magliocchi non e’ uno che ami far parlare di se’. Attivo fin dagli anni ‘70 nei circuiti dell’improvvisazione radicale, pur avendo suonato coi grandi nomi del settore (Evan Parker, Peter Kowald, Joelle Leandre, ma anche Mal Waldron e John Tchicai) e’ davvero molto poco conosciuto. Un peccato poco meno che mortale, dati i risultati e le autentiche prodezze, emesse sempre sottovoce, di questo duetto del batterista barese col chitarrista Ninni Morgia.

Quest’ultimo e’ un nome ben noto, capace di muoversi in contesti diversi rimanendo sempre riconoscibile, ma va detto che a questo giro il catanese sembra quasi in disparte (forse volutamente) a fianco delle invenzioni percussive di Magliocchi, uno che gli strumenti se li fabbrica su misura. I due musicisti dialogano in una dimensione che si direbbe quasi subacquea, ruvida in superficie ma sempre malleabile sul fondale, lontanissima dal prendere qualsiasi forma riconoscibile. Rispetto al valido duetto di Morgia con William Parker, qui l’intesa pare ancora superiore e il suono (fatto di scorticature, zampilli elettrici, ritualita’ metalliche) e’ fluido e mai prevedibile, all’insegna di un impressionismo squarciato da dissesti controllati. Curioso e azzeccato l’artwork, molto simile alla cover di “A Saucerful Of Secrets” dei Pink Floyd, e va a finire che non e’ nemmeno un caso.

(7/8) Federico Savini, Blow Up

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Kommissar Hjuler und Mama Baer & Ninni Morgia and Silvia Kastel “Two Couples” LP

Genere: weird love

Una coppia per lato e una musica che, per questa volta piu’ che mai, non poteva che essere all’insegna del “famolo strano”. Il chitarrista Ninni Morgia non ha piu’ bisogno di presentazioni, e a fianco della sua chitarra, che al solito prende varie forme, c’e’ la giovane Silvia Kastel, titolare dell’etichetta Ultramarine impegnata al synth e al canto. Canto che nell’inquietante Jericho e’ un sommesso spoken annidato sul fondo di una pozza di buio sintetico e angoscia domestica alla Jandek, con la sola luce intermittente delle fiammelle elettriche della sei corde di Morgia. In Search Of Red Water e’ una breve, bislacca e gocciolante improvvisazione di oggetti non identificati che pare degli Smegma, mentre in Fragments la chitarra si rivolta su se’ stessa, tarantolata, e dopo qualche minuto contagia la Kastel che prende a urlare risucchiata da un vortice di tensione (il synth) e tormento. In simili ambiti, un chitarrista come Morgia e’ fuori categoria e le allucinazioni soniche della coppia ne traggono vantaggio. Molto dipendera’ dalla capacita’ di gestire le risorse in vista di un album completo, ma per il momento la proposta e’ di sicuro effetto. Sull’altro lato (che poi sarebbe il primo) ci sono tre frammenti di irrecuperabile follia a cura di Kommissar Hjuler und Mama Baer, temibile coppia teutonica che propone un piccolo campionario di pantomime da incubo. Il loro programma, al solito, e’ a base di urla ferine, vociare sconnesso e depistante, percussioni sgraziate e ossessive, chitarrine monche che torturano sottopelle e generico sfascio domestico. Da questa bolgia pseudo-teatrale il concetto di “musica” esce vilipeso e con le ossa rotte. Il disagio e’ reale, e si sapeva, come del resto e’ cosa nota che, con la giusta disposizione di spirito, la messinscena di questo flagello psichico puo’ catturare e anche far sorridere.  -Federico Savini, Blow Up

Doppio misto con follia per una delle ultime release in casa Ultramarina. Da una parte i tedeschi Kommissar Hjuler und Mama Bear, post-situazionisti dell’ultim’ora; dall’altra la coppia Ninni Morgia / Silvia Kastel a quanto  pare rientrati tra i confini italici dopo il volontario esilio in terra newyorchese. Il bel ritratto di copertina così come la somiglianza delle pose nelle foto del retro, dicono già molto dell’approccio free e dada delle due coppie, quasi fossero aspetti speculari di una stessa insana follia.

Il lato A è appannaggio delle stramberie dei teutonici: rumori vari e chitarra trattata non si sa bene come per il Kommissar, voce off, teatrale e schizzatissima per la Mama. Improvvisazioni che su disco si fanno pure apprezzare per quello spirito naif e dada-spastico che le muove, ma che troverebbero molto più senso in qualche performance da teatro off, come per l’iniziale Stalking o per la seconda parte – tutta singulti vocali e tribalismo spastico – diZwei Eineperson Pt. 2. Vedi alla voce, New York fine ’60-inizi ’70.

I nostri sul lato b procedono di haunted psych in allucinata punta di plettro, Morgia, e modulazioni di synth spettrali e voce posseduta, la Kastel, per quattro brani incerti e claudicanti, torturati e fratturati nell’incedere ma dalla coerente resa unitaria, sempre in modalità improvvisativa. Gorghi di suono centrifugato e rimasugli di partiture per droning malfermo, chitarra allucinata e atmosfere latamente jazz, vedi Jericho o We Were Two And Now We’re Three, si fanno prediligere sull’altra coppia.

Two Couples, nonostante la frammentazione e l’eccentricità, o forse proprio per questo, è un disco consigliatissimo dal druido sciroccatoJulian Cope. Ennesima garanzia di qualità. Stefano Pifferi, Sentireascoltare

La foto sul retro del vinile è già tutto un programma, con le due coppie ritratte nella medesima posa, come a dire che, stringi stringi, il contenuto delle loro composizioni è pressappoco il medesimo. E infatti sia Kommissar Hjuler und Mama Bear che Ninni Morgia (mai attivo come in quest’ultimo periodo) e Silvia Kastel propongono un suono a base di improvvisazioni ferine e tape manipulation. Il meglio del disco sta  proprio nei pezzi del duo italiano, ossia nei suoni chitarristici - sempre più torturati e allucinanti - di Morgia e nel synth tremante della Kastel (una situazione da studiare attentamente…), che va a rinverdire i fasti dei Throbbing Gristle via MEtalux. Per quanto coerenti con il registro utilizzato dalla coppia italiana, risultano oltremodo sgraziate le improvvisazioni di Kommissar Hjuler and Mama Bear, che però hanno il pregio di mantenere alta la tensione per l’intera durata. Antonio Ciarletta, ONDArock

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Ninni Morgia & William Parker “Prism” 2LP

Questo doppio vinile che celebra la collaborazione tra William Parker e un sempre più lanciato e smaliziato Ninni Morgia è una gioia per le orecchie, poiché scansa il ristagno che ha caratterizzato una certa parte della musica improvvisata di questi anni. Al contrario, i due riescono a modellare un suono fluido, generato non tramite contrasti furibondi, quanto piuttosto per aggiustamenti progressivi, che si situa in un territorio spurio abitato dall’improvvisazione e dalla psichedelia, senza esagerare in un senso o nell’altro.
A conferire equilibrio e varietà all’impasto è il suono, mai così liquido e astratto della chitarra di Morgia, che a tratti pare quasi uno strumento elettronico dei primordi, tipo un theremin o un mini moog. Parker, dal canto suo, dispiega il contrabbasso ottenendo note corpose e avvolgenti, inframezzandole con i ghirigori weird dello zufolo e del gralle. Ne risulta una musica placida, sottilmente inquieta, che gira a base frequenze, eppure scossa a tratti da frenetici singulti ritmici che ne rendono  avventuroso l’incedere. E soprattutto mutante e bellissima nelle sue tonalità anodine. Via press sheet Parker afferma: “Questa è la musica che ho sempre avuto nella mia testa e che ho sempre desiderato fare. una musica che mi ispira visioni e colori, come i riflessi che attraversano un prisma”. C’è solo da sperare che i due non si fermino a “Prism”. PIETRA MILIARE

(17/11/2010)

Antonio Ciarletta, Ondarock
http://www.ondarock.it/pietremiliari/2010_morgiaparker.htm

È sempre la benemerita Ultramarine a dare alle stampe Prism, doppio vinile collaborativo che mette in campo forze in apparenza lontane ma unite dalla indomita sperimentazione strumentale: una leggenda del free-jazz americano, William Parker, e un giovane ed eclettico chitarrista nostrano, Ninni Morgia.

Apprezzato e adorato da mostri sacri come Derek Bailey, il primo; onnivoro sperimentatore di tutto lo spettro delle musiche chitarristiche (noise-rock, kraut, psichedelia, sperimentalismo in solo, free-jazz), il secondo, i due trovano il loro punto di contatto ideale in passaggi strumentali lontani da ciò che hanno prodotto in solo finora. L’americano contrappunta col suo contrabbasso, fa da fondale, rende fluido il tutto mentre il siciliano offre forse la sua prova più ardita e avanguardistica. Prism è tutto un lavorio di chitarra e “sulla” chitarra che genera gorgoglii alieni e rumorismi spettrali, frasi monche e puntillismo zoppo e fuori fase, fuoriuscendo quasi trasfigurata dal suo ruolo naturale. Non ce ne voglia Parker: il suo contributo al contrabbasso è tanto umile quanto essenziale per diluire e insieme legare il suono altrimenti dispersivo della chitarra di Morgia, ma è quest’ultimo e il suo strumento il vero centro nodale dell’album. Acquietando i passaggi (Prism 7, Prism 4), inasprendoli quasi fino alla schizofrenia (Prism 3) o alienandoli verso una sorta di parafrasi elettronica (Prism 11, Prism 15), Morgia fornisce una delle sue migliori prove, piazzandosi indubbiamente al livello di altri grandi chitarristi avant. Stefano Pifferi (Sentireascoltare)

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I primi due aggettivi che mi sono venuti in mente mentre ascoltavo questo split sono stati “sciamanico” e “disturbante”, ma procediamo con ordine. A un anno dalla sua nascita la sempre più benemerita Ultramarine prosegue nella sua attività di diffusione di materiali legati alla musica improvvisata, puntando qui su un paio di formazioni misconosciute.

I Chora sono un ensemble inglese guidato da Rob Lye e Bob Morris, con all’attivo un po’ di uscite su etichette come Blackest Rainbow Lattajjaa e Singing Knives, mentre Quivers costituiscono un altro dei Progetti dell’instancabile Ninni Morgia, qui in combutta con Jordan Schranz e Mike Pride, batterista quest’ultimo sul cui curriculum scorrono collaborazioni con nomi importanti comeAntony Braxton, John Zorn e Keiji Haino tra gli altri.
Pur confrontandosi sul terreno comune dell’improvvisazione, in realtà le due formazioni danno vita a musiche abbastanza diverse tra loro. Negli oltre diciannove minuti di “I Met An Oaktree As Tall A My Finger, And It Was Suffering…” i Chora sono fautori di un suono corposo e tribaloide (sì, sciamanico), che rimanda all’estro di formazioni come No-Neck Blues Band e Volcano The Bear. I fiati, il violino e le percussioni creano un mantra disturbante, una sorta di Gamelan urbano suonato in una in una pozza di asfalto rovente.

Ancor più alienanti le nenie dei Quivers, alle prese con una musica molto più slabbrata e scarnificata.  In questo caso manca del tutto quella circolarità che nei Chora era data dalla componente ritualistica delle percussioni, insomma un approccio free form portato all’estreme conseguenze, con un particolare attenzione alle timbriche dei singoli strumenti. Allora ogni piccolo evento sonoro è calibrato (e coeso agli altri) in modo da (dis)armonizzarsi a un fluire magmatico che si riallaccia alle metastasi noise di Keiji Haino e alle improvvisazioni dell’Amm.

di Antonio Ciarletta

www.ondarock.it

(01/07/2010)

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Quello di Ninni Morgia from Catania è un girovagare artistico oltre che fisico. Lo spostamento verso NYC, mecca indiscussa di certo rock rumoroso, alla distanza è equivalso alla necessità quasi fisiologica di allargare i confini di un suono al quale era legato e col quale era cresciuto. Questa (in)consapevole e costante crescita ha fatto vedere i suoi frutti sia nella padronanza dello strumento – sempre più matura e personale –, sia nell’allargamento dei riferimenti – ormai un vero e proprio universo fluttuante in cui convivono noisers e jazzisti, bluesman e folksters – e soprattutto nella considerazione di pubblico e critica, colti e non.

Tutta questa premessa per introdurre quella che è, ad oggi, la migliore prova del nostro. Giocato proprio su un terreno a lui non nuovo, quello della copula tra free jazz spirituale e psichedelia diluita e mistica, NMCU vibra di nuovi stimoli grazie anche a compagni di ventura non di poco conto. Ad accompagnare la chitarra di Morgia sono il batterista/percussionista Jeff Arnal e soprattutto Daniel Carter, sassofonista e multistrumentista già avvistato in una collaborazione coi Talibam! e tra i più attivi della scena free newyorchese. Non di poco conto il fatto che elementi del genere – si nota anche Scott Colburn in cabina di regia – si “prestino” ad un progetto focalizzato intorno alla figura di Morgia, vero?

Tutto meritato. L’ennesima creatura di Morgia è un concentrato di alta scuola jazz-psych, in cui suite raga senza tempo e visioni davisiane, mantra inaciditi e mistici deragliamenti free convivono agilmente e in splendido equilibrio. NMCU è uno splendido doppio vinile in cui non c’è realmente una nota fuori posto. La dimostrazione dello spessore di un Artista.

(7.5/10)

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A LA LU LA

Amolvacy LP

Il trio che muove le fila del progetto Amolvacy è di quelli di origine controllata. Tutta gente con un certo pedigree nel settore, a partire da Aaron Moore dei Volcano The Bear, che per l’occasione si accompagna a Dave Nuss della No Neck Blues Band e Sheila Donovan dei Laboratory Theater Company. Questo licenziato per l’italianissima etichetta Ultramarine è il secondo parto della compagine. Il centro del discorso è una partitura strumentale che poggia le sue fondamenta su una base percussiva ispida e creativa, arrivando anche a mimare battiti e tremolii, con strumenti e voci.

Siamo in un territorio che per forza di cose arriva a tratti a collidere con il Beefhart più obliquo e anfetaminico (Beat Of The Drum) o il Moondog più naive e visionario (On Top Of Unknownille), tutto ovviamente calato in una tenebra esotica alla Volcano The Bear su cui la mano di Moore si muove sicura come un alchimista che sa quali sostanza miscelare nei suoi alambicchi. L’altro protagonista dell’operazione sta poi nelle parti vocali di Sheila Donovan, sorta di incrocio tra Yoshimi e Lydia Luch, che riesce al tempo stesso a farsi cartoon isterico (Ho-Ho-Kus) e suffragetta no wave con assorbente chiodato (Lula, Vehicular Bitterness).

Non meno interessante poi tutto l’assunto base del disco, che prendendo le mosse dalle parole riportate sul retro ad opera di Jose da Fonseca e Pedro Carolino, autori portoghesi che nel 1855 scrissero un libro di prose in inglese intitolato “English As She Is Spoke”, pur non conoscendo una parola di inglese. Da qui e da una riflessione sul ruolo del suono e della musica nella comunicazione nello scambio primordiale tra linguaggi diversi e inintelligibili il titolo ironico-dadaista di A La Lu La.

(7.3/10)

Antonello Comunale
www.sentireascoltare.com

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